Fatima Ronquillo

To break from or embrace tradition––it’s a question modern society constantly face son an individual and community level: continue the status flow or fight against the current. But less spoken of is the equally delicate question of how tradition can be used to create something new. For the traditions that we find worth continuing, how can we adapt them to a world which changes faster everyday than it ever has before. Fatima Ronquillo’s work puts a spin on tradition––one that uses the classical European painting’s characteristic elegance and softness to describe a whimsical, imaginative world. The tones, shapes and textures typical of classical Western art is used to contemplate themes and ideas that only 21st century painters could achieve. Ronquillo’s works prove that the option exists to choose what pieces of the past should be carried into the future and what pieces of today can be made into new traditions. And in a time where the future is being created and re-created in each moment, the salute to tradition can be a bold, and upending statement


Para romper o abrazar la tradición, es una cuestión que la sociedad moderna enfrenta constantemente a nivel individual y comunitario: continuar con el flujo de estatus o luchar contra la corriente. Pero menos se habla de la cuestión igualmente delicada de cómo se puede usar la tradición para crear algo nuevo. Para las tradiciones que encontramos que vale la pena continuar, ¿cómo podemos adaptarlas a un mundo que cambia cada día más rápido que nunca? El trabajo de Fátima Ronquillo le da un giro a la tradición, una que utiliza la elegancia y suavidad características de la pintura clásica europea para describir un mundo caprichoso e imaginativo. Los tonos, las formas y las texturas típicas del arte clásico occidental se utilizan para contemplar temas e ideas que solo los pintores del siglo XXI podrían lograr. Los trabajos de Ronquillo prueban que existe la opción de elegir qué piezas del pasado se llevarán al futuro y qué piezas de hoy se pueden convertir en nuevas tradiciones. Y en un momento en el que el futuro se crea y se recrea en cada momento, el saludo a la tradición puede ser una declaración audaz y sin fin.


Bizzarre: Fatima, can you present yourself?

FR: I am a Filipino-American artist currently living and working in Santa Fe, New Mexico. I am an oil painter who combines old master techniques with playful modern sensibilities. Unicorn Publishing has just released Spellbound―my first retrospective book of paintings.


B: The base of your works is portraits. What is the most attractive thing about painting a portrait?

FR: I paint imaginary portraits. None of my paintings are portraits of actual living persons. Rather they are portraits of an idea of a person (such as someone in love or in mourning) or a character in literature, theatre or opera. The eyes or the ‘gaze’ is the most attractive thing about painting a portrait. Secondly, the gesture of the hand. An entire narrative may enfold within the gaze and the gesture.


B: You have certain elements that you use for several artworks such as the eye as part of jewelry. What is the purpose of it?

FR: A portrait’s gaze holds a viewer. The eye is a very important motif in my work because it is suggestive of thought and idea. I have been obsessed with the Georgian lover’s eye portraits ever since I learned of them. They came into vogue in the late 18th century as tokens of secret love. Later in the Victorian era they became symbols of mourning.


The surreal aspect of an isolated lover’s eye captivates me with its touch of eeriness―the idea of a physical dismemberment signifies a removal or estrangement of a loved one. In terms of composition, the framed ornamental eye provides context and a reason for adding a third or fourth eye in a painting. It is a device of conceit: a portrait within a portrait.


B: Your work is like a time machine. It mixes different periods of our life. What do you think changed in the art world compared with years before?

FR: As a little girl growing up in a province in the Philippines, I did not have access to museums. I devoured any reproduction of old paintings I could find in magazines or books. Later, when I was in the United States, I finally saw great paintings in museums. It was like a religious experience.


Thank you for likening my work to a “time machine”. My self-education in art and painting is deeply rooted in art history. I am quite democratic in my taste in artistic references because I appreciate so much of what has come before. One thing that has changed in art in our time is the accessibility of artworks to a wider audience because of the internet and social media. On a personal level, this has allowed me to sample from all the different time periods in art, by the ability to easily recall references.


B: How did the change from the Philippines to Texas, influenced your art?

FR: I think the solitude that resulted from being uprooted from all my friends and family has been an influence whether I am conscious of it or not. A lot of my work feature solitary figures, often children. There is often an underlying loneliness or nostalgia in my paintings.


The Hispanic heritage in San Antonio, Texas actually had a sort of similarity with my native Filipino culture, in that there is a lot of Catholic iconography found in the old Spanish missions dotted around the city. In Santa Fe, New Mexico, where I live now, the tradition of the santero―an artist who creates religious imagery―is alive and well. In a way I have always painted the faces of saints. These santos with their ambiguous silent gazes people my paintings, sometimes reimagined as cupids, soldiers, and pagan gods, sometimes as martyrs, mystics and nuns.


B: I always ask myself...

FR: ...what I would be doing if I was not an artist. Having been a creator of images my entire life this is a difficult question to answer. I would hope that I would be doing something equally fulfilling.


B: What do you think is the worst part of the art world?

FR: This is not unique to the art world, but I think that the worst thing for me is the need and pressure to partake in modern technology like social media and email. My creative process requires solitude and being away from distractions and I do struggle with the practical need to engage in social media to let those who follow and support my work know of what’s going on. On the one hand, it is a great tool for artists in getting work out there in the public, making art accessible to everyone. On the other hand, the temptation to compare not just one’s work but one’s life to others can be very disruptive and negative.


B: How do you image art from the future?

FR: Being that I work mainly from the past, it is a question I would rather not answer. I would like to be surprised.


B: If you have to make a self-portrait, how would you look like?

FR: I think as a nun, like one of my crowned nuns, with a wild crown of flowers with insects and little creatures. And of course it will not be complete without my dog. I say nun because when I was a very young girl I romantically dreamed of being a nun, now I realize that a quiet life is what attracted me most. And also, painting to me is a vocation, not unlike the devotion of a novice or nun.


B: Give advice to someone that start doing art.

FR: My advice is so old fashioned and I hate to sound trite, but it’s so important to do what you love. When it comes to finding a “voice” or “style”, recognizing what you love, that is what you naturally feel drawn to, is probably the best way of finding it.

Introduction by Sofia Mejias

Interview by Desislava Staneva

Bizzarre: Fatima, ¿puedes presentarte?

FR: Soy una artista filipino-estadounidense que actualmente vive y trabaja en Santa Fe, Nuevo México. Soy pintora al óleo que combina viejas técnicas maestras con sensibilidades modernas y lúdicas. Unicorn Publishing acaba de lanzar Spellbound, mi primer libro retrospectivo de pinturas.

B: La base de tus obras son los retratos. ¿Qué es lo más atractivo de pintar un retrato?

FR: Pinto retratos imaginarios. Ninguna de mis pinturas son retratos de personas vivas reales. Más bien son retratos de una idea de una persona (como alguien enamorado o de luto) o un personaje de literatura, teatro u ópera. Los ojos o la "mirada" es lo más atractivo de pintar un retrato. En segundo lugar, el gesto de la mano. Una narración completa puede envolverse dentro de la mirada y el gesto.

B: Utilizas ciertos elementos en muchas de tus obras de arte, como el ojo como parte de la joyería. ¿Cuál es el propósito de esto?

FR: La mirada de un retrato atrae al espectador. El ojo es un motivo muy importante en mi trabajo porque sugiere pensamiento e idea. He estado obsesionada con los retratos oculares de los amantes georgianos desde que supe de ellos. Se pusieron de moda a finales del siglo XVIII como muestras de amor secreto. Más tarde en la era victoriana se convirtieron en símbolos de luto.

El aspecto surrealista del ojo de un amante aislado me cautiva con su toque de inquietud: la idea de un desmembramiento físico significa la eliminación o el alejamiento de un ser querido. En términos de composición, el ojo ornamental enmarcado proporciona contexto y una razón para agregar un tercer o cuarto ojo en una pintura. Es un dispositivo de presunción: un retrato dentro de un retrato.

B: Tu trabajo es como una máquina del tiempo. Mezcla diferentes períodos de nuestra vida. ¿Qué crees que cambió en el mundo del arte en comparación con años anteriores?

FR: Cuando era una niña que crecía en una provincia de Filipinas, no tenía acceso a los museos. Devoré cualquier reproducción de cuadros antiguos que pude encontrar en revistas o libros. Más tarde, cuando estaba en los Estados Unidos, finalmente vi grandes pinturas en museos.


Fue como una experiencia religiosa. Gracias por comparar mi trabajo con una "máquina del tiempo". Mi autoeducación en el arte y la pintura está profundamente arraigada en la historia del arte. Soy bastante democrática en mi gusto por las referencias artísticas porque aprecio mucho de lo que vino antes. Una cosa que ha cambiado en el arte en nuestro tiempo es la accesibilidad de las obras de arte a un público más amplio debido a Internet y las redes sociales. A nivel personal, esto me ha permitido tomar muestras de todos los diferentes períodos de tiempo en el arte, por la capacidad de recordar referencias fácilmente.

B: ¿Cómo influyó el cambio de Filipinas a Texas en su arte?

FR: Creo que la soledad que resultó de ser desarraigada de todos mis amigos y familiares ha sido una influencia tanto si soy consciente de ello como si no. Gran parte de mi trabajo presenta figuras solitarias, a menudo niños. A menudo hay una soledad o nostalgia subyacente en mis pinturas. La herencia hispana en San Antonio, Texas, en realidad tenía una especie de similitud con mi cultura filipina nativa, ya que hay mucha iconografía católica en las antiguas misiones españolas repartidas por la ciudad. En Santa Fe, Nuevo México, donde vivo ahora, la tradición del santero, un artista que crea imágenes religiosas, está viva y bien. En cierto modo, siempre he pintado los rostros de los santos. Estos santos con sus ambiguas miradas silenciosas a la gente mis pinturas, a veces reinventadas como cupidos, soldados y dioses paganos, a veces como mártires, místicos y monjas.

B: Siempre me pregunto...

FR: ...qué estaría haciendo si no fuera artista. Habiendo sido creador de imágenes toda mi vida, esta es una pregunta difícil de responder. Espero estar haciendo algo igualmente satisfactorio.


B: ¿Cuál crees que es la peor parte del mundo del arte?

FR: Esto no es exclusivo del mundo del arte, pero creo que lo peor para mí es la necesidad y la presión de participar en tecnología moderna como las redes sociales y el correo electrónico. Mi proceso creativo requiere soledad y estar alejada de las distracciones, y lucho con la necesidad práctica de participar en las redes sociales para que los que siguen y apoyen mi trabajo sepan lo que está sucediendo. Por un lado, es una gran herramienta para que los artistas trabajen en público, haciendo que el arte sea accesible para todos. Por otro lado, la tentación de comparar no solo el trabajo de uno sino la vida de uno con los demás puede ser muy perjudicial y negativo.

B: ¿Cómo imaginas el arte del futuro?

FR: Siendo que trabajo principalmente del pasado, es una pregunta que preferiría no responder. Me gustaría ser sorprendida.


B: Si tienes que hacer un autorretrato, ¿cómo te verías?

FR: Pienso como una monja, como una de mis monjas coronadas, con una corona salvaje de flores con insectos y pequeñas criaturas. Y, por supuesto, no estará completo sin mi perro. Digo monja porque cuando era una niña muy joven soñaba románticamente con ser monja, ahora me doy cuenta de que una vida tranquila es lo que más me atrajo. Y también, pintar para mí es una vocación, no muy diferente a la devoción de un novicio o una monja.


B: Dar consejos a alguien que comienza a hacer arte.

FR: Mi consejo es tan anticuado y odio sonar trillado, pero es muy importante hacer lo que amas. Cuando se trata de encontrar una "voz" o "estilo", reconocer lo que amas, eso es a lo que naturalmente te sientes atraído, es probablemente la mejor manera de encontrarlo.

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